Geschichte der Renaissance

Die Hochrenaissance in Venedig

Venedig um 1500 – und die Kunst am Beispiel Tizians

„Über einen Zeitraum von rund 300 Jahren sollte Venedig fortan eine maßgebliche Rolle in der europäischen Politik spielen. Eine Handelsrepublik als politische Großmacht – das erscheint zunächst als eine ungewohnte Vorstellung, zumal in Mitteleuropa“, heißt es in Arne Karstens kleiner „Geschichte Venedigs“ (2023, S. 34). Eine „Glanzzeit“ seien die Jahre von 1204 bis 1509 gewesen. Hierzu beigetragen hatte vor allem der Seehandel, hinter dem zunächst einzelne Familienbünde standen, der sich weiterentwickelte zu Zusammenschlüssen von Kaufleuten („colleganza“ genannt) und schließlich zu Handelsgesellschaften („societas“), die mehrere Kaufleute, aber auch stille Teilhaber umfassen konnten (ebd., S. 38). Um die Funktionsfähigkeit und auch die Sicherheit des Handels – sowohl des Fernhandels als auch des Handels innerhalb Venedigs – zu gewährleisten, entwickelte sich ein effizienter politischer, rechtlicher und wirtschaftlicher Rahmen. „Die venezianische Führungsschicht bemühte sich ausgesprochen konsequent um die Einrichtung von Strukturen, die eine Kontrolle der Handelsgeschäfte gestatteten – so wie sie auch versuchte, die Handelswege zu kontrollieren. Diesem Zweck diente nicht nur, wie wir gesehen haben, die Organisation des Handels, sondern die gesamte Außenpolitik der Serenissima Repubblica.“ (Der offizielle Titel Venedigs lautete „La Serenissima Repubblica di San Marco“.)

Um auch zu Lande den Handel zu gewährleisten – und das wurde umso nötiger, je mehr die Osmanen den venezianischen Handel im Adriatischen Meer bedrohten –, versuchte Venedig in Oberitalien große Machtpositionen anderer Regierungen zu verhindern und wechselte bei einzelnen Konflikten gerne mal die Fronten. Zudem breitete sich das Herrschaftsgebiet der Lagunenstadt im 15. Jahrhundert weiter ins Innere aus: Padua, Vicenza und Verona, dann auch Brescia, Bergamo und Ravenna wurden „eingemeindet“. Das Jahr 1509 hingegen machte dieser Ausbreitung ein vorläufiges Ende: Die Liga von Cambrai, der Frankreich und das Heilige Römische Reich deutscher Nation, Rom, Neapel unter Ferdinand dem Katholischen, Ungarn und England angehörten, drangen die Venezianer zurück ans Ufer der Adria. Doch Venedig eroberte sich bis 1517 diese Gebiete zurück. (Siehe dazu kurz: Brown: Renaissance in Venedig, 1998, S. 14)

Venedig war also anders als die anderen Staaten Italiens, hatte eine andere Entwicklung genommen, war durch den Handel mit anderen Lebensformen vertraut – war einzigartig. Schon Petrarca, der italienische Dichter, Philosoph und Geschichtsschreiber sowie Mitbegründer des Renaissance-Humanismus, bezeichnete die Stadt als eine andere Welt. (Brown: Renaissance in Venedig, 1998, S. 9) Und tatsächlich fand Venedig auch einen eigenen Weg in Richtung Renaissance.

Und auch Tizian, der nachfolgend eingehender besprochen wird, war ein anderer Typus Künstler. „Über Jahrzehnte bediente er Kaiser und Könige, Dogen und Fürsten, Prälaten und Potentaten – und immer wieder Venezianer, sofern sie bereit waren, seine Preise zu zahlen. Seine frühe Karriere führte ihn an die Höfe Oberitaliens. Aber sooft es ihm möglich war, blieb er zu Hause“, schreibt Andreas Tönnesmann in seinem Buch „Die Kunst der Renaissance“ (2007, S. 17).

Tizian und seine „Himmelfahrt Mariä“ (1516-1518)

Tizian Vecellio wurde in Pieve di Cadore geboren, gut 100 Kilometer nördlich von Venedig. Das genaue Geburtsjahr ist nicht bekannt, einzelne Theorien bewegen sich zwischen 1473 und 1490. Filippo Pedrocco, Kurator des Museo del Settecento Veneziano (Museum des venezianischen 18. Jahrhunderts) im venezianischen Palast Ca ‚Rezzonico, hält, wie viele andere Experten, ein Geburtsdatum zwischen 1488 und 1490 am wahrscheinlichsten (s. Pedrocco: Tizian, München 2000, S. 19).

Um 1500 kam Tizian zu seinem Onkel nach Venedig und arbeitete und lernte schon früh in der Werkstatt des Malers Sebastiano Zuccato, anschließend bei dem damals angesehensten Künstler Giovanni Bellini (1437-1516). Er lernte die berühmten Maler Giorgione (1478-1510) und Sebastiano del Piombo (1485-1547, Geburtsname: Sebastiano Luciani) kennen. In vielen Beschreibungen über diese Zeit ist von einer gewissen Abhängigkeit Tizians von Giorgione die Rede. Der schweizerische Kunsthistoriker Eduard Hüttinger unterstreicht dies, wenn er in seinem Buch über die venezianische Kunst davon spricht, dass sich Tizian um 1514 – mit seinem Gemälde „Himmlische und irdische Liebe“ –  „von der verführerischen Bildmagie des Giorgione“ gelöst habe. Filippo Pedrocco (Tizian, München 2000, S. 21) hält diese Abhängigkeit für unwahrscheinlich, auch wenn sie ein „Großteil der Forscher“ unkritisch akzeptiere. 1514 war im übrigen auch das Jahr, da Tizian, zusammen mit zwei Gehilfen, seine eigene Werkstatt betrieb, die er sein ganzes Leben lang behielt.

Zwei Jahre darauf schuf Tizian eines seiner bekanntesten Werke: die „Himmelfahrt Mariä“. Bestimmt war das Gemälde für die Kirche Santa Maria Gloriosa dei Frari.  Zehn Jahre zuvor hatte sein Lehrer Giovanni Bellini ein Bild zum gleichen Thema erstellt, in der Kirche Santa Maria degli Angeli in Murano, der Lagune von Venedig, einer Inselgruppe in der Lagune von Venedig. Die Kirchen waren keine vier Kilometer Luftlinie voneinander entfernt – und damit deutlich weniger als die Art der Darstellung beider Bilder. Nachfolgend präsentiere ich kurz Bellinis Bild sowie eine Himmelfahrt von Castagno und stelle sie Tizians Gemälde gegenüber:

Andrea del Castagno (1418-1457) war ein bekannter Maler der Frührenaissance und arbeitete vornehmlich in Florenz. Von 1449 bis 1450 entstand sein Altarbild über die Himmelfahrt Marias, das für die Kirche San Miniato tra le Torri in Florenz gemalt wurde. Die Kirche wurde 1888 abgerissen, das Bild ist heute in der Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin zu sehen.

Es zeigt die Jungfrau Maria, zwei Heilige sowie vier Engel. Sitzend mit zum Gebet gefalteten Händen schaut Maria nach oben, so wie die ganze Szene nach oben hin ausgerichtet ist. Die Engel heben Maria aus ihrem Grab hervor, im Sarkophag liegen Blumen: Rosen und Lilien. Die zwei Heiligen Julian und Miniato haben jeweils einen Bezug zur Stadt Florenz: Julian galt in Florenz als Schutzheiliger der Gastwirte, Miniato „war einer der Stadtpatrone von Florenz und der Titelheilige der Kirche, für die das Altarbild bestimmt war.“  (Text der Gemäldegalerie, Staatliche Museen zu Berlin, abgerufen am 04.02.2025) Das Bild wirkt insgesamt sehr statisch, auch wenn inhaltlich Bewegung vorhanden sein dürfte.

Ebenso statisch wirken die Protagonisten im bereits erwähnten Gemälde von Giovanni Bellini. Unten sind von links nach rechts die Evangelisten Markus, Johannes und Lukas zu sehen, des weiteren Franz von Assisi, Ludwig von Toulouse (Bischof aus dem 13. Jahrhundert), Antonius der Große (Mönch, 3./4. Jahrhundert), Augustinus von Hippo (römischer Bischof, 4./5. Jahrhundert) und Johannes der Täufer. Oben ist, umrahmt von kindlichen Engeln (Putten), Maria zu sehen, die deutlich größer wirkt als die Personen unten – tatsächlich ist sie es nicht. Liegt dies an dem Hintergrund, ihre Alleinstellung, als stünde sie starr und übergroß in der Landschaft? Tatsächlich schwebt sie Richtung Himmel, doch weder Kleidung noch ihre Körperhaltung deuten irgendeine Bewegung an.

Auf früheren Himmelfahrtsgemälden waren unten die Apostel zu sehen, in der Renaissance wurden jedoch vermehrt einzelne, vom Auftraggeber gewünschte Personen eingebaut.

Geschichte der Renaissance

Die Hochrenaissance in Rom

Rom um 1500 – und die Kunst an den Beispielen Michelangelos und Raffaels

Während für die Frührenaissance v.a. Florenz und die Medici prägend waren, schob sich, nach der Vertreibung der Medici 1494, Rom in den Vordergrund. Künstler und Humanisten versammelten sich hier, konkurrierten und prägten sich gegenseitig bei den Ausübungen ihrer Künste. Vor allem unter den beiden Päpsten und Kunstliebhabern Julius II. (1443-1513, Papst ab 1503) und dem oben erwähnten Medici-Papst Lex X. (1475-1521, Papst ab 1513) versammelten sich viele bekannte Namen in Rom.

Unter anderem waren dies:

• Michelangelo, der 1494 über Umwege nach Rom kam, dort bis 1501 blieb, nach Florenz zurückkehrte und 1505 wieder in Rom weilte – und ab 1508 die berühmten Fresken der Sixtinischen Kapelle anfertigte;
• Schon seit 1500 war der Maler und Baumeister Donato Bramante in Rom, der ab 1504 für den Neubau des Petersdoms zuständig sein sollte;
• 1508 kam der Maler Raffael in die Stadt am Tiber und wurde Bramantes Nachfolger als Architekt und Bauleiter der Peterskirche;
• Leonardo da Vinci war zwischen 1513 und 1517 dort, jedoch mit wohl mäßigem künstlerischen Ertrag.

Im Kapitel über die Frührenaissance wurde der schlechte Zustand Roms im 14. Jahrhundert beschrieben, kurz: Die Stadt war schäbig und vermodert. Unter Papst Nikolaus V. (1397-1455, Papst ab 1447) wurden viele Mängel und Makel beseitigt und Rom bereits deutlich aufgewertet.  Mit seinem Nachfolger, dem Humanisten und Dichter Enea Silvio Piccolomini, trat als Pius II. (1405–1464, Papst ab 1458) der ideale Papst für die Entwicklung der Renaissance an die Spitze Roms. In den Folgejahrzehnten kam es allerdings verstärkt zu Vetternwirtschaft und Korruption, denen der zuvor erwähnte Kunstliebhaber Papst Julius II. ein Ende bereiten wollte – und es teilweise auch schaffte.

„Unter Julius II. und seinem Nachfolger Leo X. schlugen den Künsten am Tiber Sternstunden“, schreibt Bernd Roeck in seinem „Morgen der Welt“ (2017, S. 674). Rom glänzte wieder – aber nicht sehr lange, denn der „Sacco di Roma“, die Plünderung Roms durch Söldner Kaiser Karls V. 1527, und eine Seuche in demselben Jahr trafen Rom stark.

Michelangelo in Rom

Bramante, Raffael und Michelangelo waren die „Konstrukteure der römischen ‚Hochrenaissance‘“ (Roeck: Morgen der Welt, 2017, S. 675), Raffael und Michelangelo die „Göttlichen“ (ebd., S. 673). Als ein vortreffliches Beispiel für die Göttlichkeit der Kunst darf die Ausmalung der Decke, des Gewölbes der Sixtinischen Kapelle durch Michelangelo betrachtet werden.

Die gesamte Geschichte dieses Großauftrags – von den ersten Planungen bis zu der Fertigstellung – ist voller Fragen, zum Beispiel: Warum floh Michelangelo aus Rom, nachdem bekannt wurde, dass er nicht das Julius-Grabstätte zu Ende führen sollte, sondern in der Sixtinischen Kapelle malen sollte? Wer hatte die Idee, statt des traditionellen Sternenhimmels etwas derart Komplexeres zu erstellen? Hatte Michelangelo vom Papst Julius II. tatsächlich „freie Hand“ bekommen, was die Ausgestaltung der Decke betraf?

Tatsächlich hatte Michelangelo endlich eine (heute nicht mehr existierende) überlebensgroße Bronzestatue eines kämpferischen Papstes, Julius II., fertiggestellt – und rechnete nun damit, endlich dessen Grabstätte fertigstellen zu können. Doch der Papst hatte nun andere Pläne, verärgerte damit offensichtlich Michelangelo, der wiederum Julius II. mit einer Rückkehr nach Florenz 1506 brüskierte.

Schließlich machte sich Michelangelo doch an die Vorbereitungen der Arbeiten in der Sixtinischen Kapelle. Wo sich bis dato ein Sternenhimmel zeigte, sollte nach ersten Gedanken des Papstes eine Ausgestaltung mit den Aposteln entstehen. Michelangelo gedachte Größeres als eine derartige „ärmliche Sache“ und entwickelte die Idee der Darstellung vieler Figuren und Themen – im Mittelpunkt stehend die Geschehnisse der alttestamentarischen Genesis mit Schöpfung, dem ersten Menschenpaar und der Sintflut.

Geschichte der Renaissance

Die Hochrenaissance

In der Hochrenaissance, also in den Jahren zwischen 1490 bis 1530, verfestigten sich die die Gedanken und Ideen der Frührenaissance, sie wurden konsequenter und entwickelten sich weiter: Die Wiedergeburt der Antike war nahezu abgeschlossen (s. Roeck: Der Morgen der Welt, 2017, S. 676), das bereits hier und da in der Frührenaissance zu erkennende Schöpfertum des Menschen formierte sich zu einem Selbstbewusstsein, nicht nur Gleichwertiges oder gar Neues, sondern auch Besseres als die Alten (also die Denker und Künstler der Antike) schaffen zu können (Burke: Die europäische Renaissance, 1998, S. 92).

In etlichen Städten Italiens entwickelte sich Großes, und auch wenn Rom zu einem „Zentrum der Innovationen“ wurde, dürfen andere Stätten der Hochrenaissance nicht unterschätzt werden: z.B. Florenz, Venedig oder auch Mailand. Und: „Es war zugleich die Zeit, als man im Norden beanspruchte, mit den Italienern in Wettstreit zu treten.“ (Burke: Die europäische Renaissance, 1998, S. 92)

Wie im Kapitel über die Frührenaissance werden auch in diesem Kapitel die Orte und die Personen, die den Gang der Renaissance formten, näher beschrieben. Im Vordergrund stehen Florenz, Mailand, Rom und Venedig sowie die Künstler Michelangelo, Raffael, Leonardo da Vinci und Tizian. In den einzelnen Kapiteln (Verlinkung dorthin siehe unten) wird jeweils die politische Lage der Stadt vorgestellt. Anschließend steht ein Künstler und eines seiner Werke im Mittelpunkt.

Zunächst jedoch ein Blick in die Geschichte Italiens.

Italien im 15. Jahrhundert

Wenn von Italien zur Zeit der Renaissance die Rede ist, dann ist nicht ein Italien im heutigen Verständnis gemeint: mit einer Hauptstadt, einem Präsidenten und einer Ministerpräsidentin, einem Parlament, einer Untergliederung des Landes in 20 Regionen, die eigene Gesetzgebungsbefugnisse besitzen.

Italien im 15. Jahrhundert ist ein komplizierteres Gebilde. Es gab

• fünf Großmächte: die Republiken Venedig und Florenz, das Herzogtum Mailand, den Kirchenstaat, das Königreich Neapel-Sizilien,
• mehrere Mittelstaaten,
• Einzelherrschaften (auch Signorien genannt),
• viele kleine und kleinste Staaten sowie
• gewisse Herrschaftsgrauzonen (nach Reinhardt: Renaissance in Italien, 2012, S. 16 ff.).

Kompliziert wurde es zudem durch die verschiedenen und vielfach wechselnden Bündnisse, Verflechtungen und Abhängigkeitsverhältnisse. Frankreich, Spanien, das Heilige Römische Reich mischten dabei ebenso mit wie die italienischen Herrschaftsfamilien – z.B. die Medici, die Visconti, die Familie Sforza –, oder auch der Papst. Kleinere Staaten oder Herrschaften lehnten sich ihnen an, ordneten sich ihnen unter, verbündeten sich mit ihnen – oder halt mit deren Gegnern.

All das sorgte für Unruhen, es gab kriegerische Auseinandersetzungen – und dabei viele wechselnde Allianzen. Wichtig für die Zeit, die die Hochrenaissance einleiten sollte, war der sogenannte Frieden von Lodi im Jahre 1454, der die Konflikte und kriegerischen Konfrontationen zwischen dem Mailänder Herrscherhaus der Sforza und der Republik Venedig beendete – und letztlich waren alle fünf oben genannten italienischen Großmächte eingebunden. „Diese Renaissancestaaten entwickeln das System der der ständigen diplomatischen Vertretungen, wie es sich zuerst 1440/60 zwischen den italienischen Hauptstädten herausbildete.“ (Ennen: Europäische Stadt des Mittelalters, 1987, S. 210) Vier relativ ruhige Jahrzehnte folgten, auch wenn das ganze Gebilde auf einem teilweise recht wackeligen Gleichgewichtsgefüge basierte: „In ausgeprägtem Gegensatz zu allen späteren Idealisierungen brachte ‚Lodi‘ keinen vierzigjährigen Glücks- oder auch nur Friedenszustand, sondern nur eine sehr relative Entspannung“, schreibt Volker Reinhardt dazu. (Reinhardt: Renaissance in Italien, 2012, S. 29)

In diese Zeit mit einem „Klima wachsenden Misstrauens“ (Reinhardt: Renaissance in Italien, 2012, S. 33) fiel der Einmarsch des französischen Königs Karl VIII. 1494 nach Italien, um Richtung Süden zu ziehen und das Königreich Neapel einzunehmen. Eine gemeinsame Unternehmung der Großstaaten Italiens gab es nicht: Es wurde für Karl ein recht problemloser Durchmarsch nach Neapel – mit seiner Krönung zum König von Neapel. Auf dem Rückweg hingegen stellten sich die Großmächte gegen den französischen König – bis auf Florenz: Pietro di Medici hatte sich bei Karls Siegeszug gen Süden diesem angebiedert und wurde daraufhin aus Florenz vertrieben. Kurzzeitig trieb der Dominikanerprior Girolamo Savonarola (1452-1498) sein Unwesen in der Stadt.

Ferdinand II. (1469-1496), der eigentliche König von Neapel, schaffte es kurze Zeit später, mit Hilfe kastilischer Truppen, seine Macht in Neapel zurückzuerlangen.

Ruhig wurde es damit nicht: Mit dem Einmarsch Karls VIII. 1494 begannen die so genannten Italienkriege. Es ging letztendlich um die Vorherrschaft in Europa und endete mit der spanisch-habsburgische Vormachtstellung in Europa („Frieden von Cateau-Cambrésis“ im Jahre 1559).

Überblick der einzelnen Beiträge

• Die Hochrenaissance in Florenz: Florenz um 1500 – und die Kunst am Beispiel Michelangelos
• Die Hochrenaissance in Mailand: Mailand um 1500 – und die Kunst am Beispiel Leonardo da Vincis
• Die Hochrenaissance in Rom: Rom um 1500 – und die Kunst an den Beispielen Michelangelos und Raffaels
• Die Hochrenaissance in Venedig: Venedig um 1500 – und die Kunst am Beispiel Tizians

Geschichte der Renaissance

Die Frührenaissance

Künstler und Stätten des Beginns und der ersten Zeit der Frührenaissance (ca. frühes 14. Jahrhundert bis ungefähr 1490)

Die Frührenaissance, also die Zeit vom frühen 14. Jahrhundert bis ungefähr 1490, ist das „Zeitalter der Wiederentdeckung“ (Peter Burke: Die europäische Renaissance. 1998, S. 36), die Beschäftigung mit der antiken Kultur, vor allem der römischen, aber auch der griechischen. Und doch ist, wie im Folgenden immer wieder hindurchscheint, auch schon das Streben zu erkennen, aus oder mit dem Wiederentdeckten auch etwas Neues zu kreieren. Die bekanntesten Namen dieser Zeit sind sicherlich Petraca, Boticelli und Alberti, die vorantreibenden Städte vor allem Florenz, aber auch Rom, Neapel, Mailand.

Giotto di Bondone (um 1270-1337): Perspektive und Natürlichkeit

Giotto war ein italienischer Maler, Bildhauer und Architekt oder Baumeister, der in der Nähe von Florenz (in Vespigano, einem Ortsteil von Vécchio) aufwuchs und als Lehrling in der florentinischen Werkstatt von Cenni di Pepo, genannt Cimabue, tätig war. Anschließend arbeitete er u.a. in Rom, Neapel und Padua – Städte, die immer wieder auch als Ursprungsorte der Renaissance genannt werden.

Giottos Werke waren religiös und wiesen doch in Richtung des Weltlichen, da sie sich durch einen Realismus auszeichneten, der das Hier und Jetzt herausstellte. Die Perspektive und die Natürlichkeit schufen eine neue Art der Malerei. Und so schrieb der große italienische Dichter und Zeitgenosse Giovanni Boccaccio (1313-1375) in seinem Dekameron (6. Tag, 5. Geschichte) über Giotto:

„Der Name des andern war Giotto, und er war mit so vorzüglichen Talenten begabt, dass die Natur, welche die Mutter aller Dinge ist, deren fortwährendes Gedeihen durch das unablässige Kreisen der Himmel bewirkt wird, nichts hervorbringt, was er mit Griffel, Feder oder Pinsel nicht dem Urbild so ähnlich darzustellen gewusst hätte, dass es nicht als ein Abbild, sondern als die Sache selbst erschienen wäre, weshalb denn der Gesichtssinn der Menschen nicht selten irregeleitet ward und für wirklich hielt, was nur gemalt war.“ (Boccaccio: Dekameron, 1964)

Eines der Hauptwerke Giottos, „Enrico Scrovegni präsentiert der Madonna die von ihm gestiftete Kapelle“ aus dem Jahre 1305 (Padua, Arena-Kapelle), zeigt auch, dass aus Bildern zur Ehre Gottes und zum Gebet nun „Kunstwerke“ wurden: Ein „aufgeschlossenes Laienpublikum“ empfand solche Gemälde als „schön“. Bilder wurden zunehmend dazu verwendet, „den Ruhm der eigenen Stadt zu mehren“ – und „das Prestige der Familie“ (Roeck: Der Morgen der Welt. 2017, S. 371.): So zum Beispiel, als Giotto die Fresken einer Kapelle von Enrico Scrovegni, der „ein wohlhabender Handelsmann und Sohn eines berüchtigten Geldverleihers“ (Ferrari, Das Geschenk der Malerei. 2004, S. 8) war, malte.

Die Kunst wurde privater!

Francesco Petrarca (1304-1374): Der individuelle Mensch

Francesco Petrarca lebte etwas später als Giotto. Er war ein bekannter epischer und lyrischer Dichter, ein Geschichtsschreiber, ein Philosoph – und, nach Peter Burke, der erste Humanist. (Burke: Die europäische Renaissance. 1998, S. 41.) Er war ein Mensch zwischen den Zeiten: Zwar beschrieb er die vergangenen Jahrhunderte als eine finstere Zeit, aus der seine Gegenwart den Schritt in eine hellere Zukunft machte. Aber in vielen Dingen zeigte er sich auch noch verhaftet in der Welt des Mittelalters. (Burke: Die europäische Renaissance. 1998, S. 42f.)

Petrarca wurde in Arezzo geboren und sollte zunächst die juristische Laufbahn nehmen, trat dann in den Dienst der Kirche und reiste durch Italien, Frankreich, Brabant und Flandern (im heutigen Belgien). Er spürte antike Schriften auf, begeisterte sich die Antike, vor allem für die römische, für Cicero und Livius, schrieb über „Liebe, Tod, Natur und Einsamkeit“. (Roeck: Der Morgen der Welt. 2017, S. 376)

Das Individuum, der einzelne Mensch interessierte ihn: Er stellte ihn in den Mittelpunkt, indem er eine Reihe von (zum Teil nicht vollendeten) Biografien, ja selbst eine Art Autobiografie schrieb. Die Biografien beschrieben das Leben und die Taten berühmter Männer. Der bekannte Dichter und Schriftsteller Giovanni Boccaccio (1313-1375), den Petrarca in Florenz traf, führte dies mit einer Sammlung an Biografien berühmter Frauen fort.

Wegen Petrarcas Wanderung auf den Mont Ventoux in der französischen Provence (nordöstlich von Avignon) wird der Dichter gelegentlich als erster Bergsteiger bezeichnet – er war „um des Schauens willen“ (Roeck: Der Morgen der Welt. 2017, S. 374) unterwegs und bewunderte die Schönheit der Natur. Die Wanderung, von der nicht bekannt ist, ob sie überhaupt stattfand, nutzte er zudem für einen Blick in sich selbst.

Das alles gab etwas Neues vor, zeigte ein anderes Bild des Menschen, ein Bild eines Individuums. Das galt in seinen Augen auch für das Denken: Dieses individuelle Denken trennte ihn von den „erstarrten spätmittelalterlichen Schulen“ (Flasch: Das philosophische Denken im Mittelalter. 1988, S. 501), der Scholastik. Von ihr grenzte er sich ab, fühlte sich als „Fremdling“ in seiner Zeit. (Flasch: Das philosophische Denken im Mittelalter. 1988, S. 479)

Florenz: Die wichtig(st)e Stadt für den Beginn, die Frührenaissance

Italien gilt als Ausgangspunkt der Renaissance – und in besonderem Maße die Stadt Florenz, die der Kunstprofessor Andreas Tönnesmann daher auch als das „Labor der Renaissance“ bezeichnete. (Tönnesmann: Kunst der Renaissance. 2007, S. 25) Tatsächlich war die Renaissance insgesamt ein städtisches Phänomen – und Florenz war im 14. Jahrhundert eine sehr fortschrittliche Stadt, nach Bernd Roeck gar die „modernste Stadt der Welt“. Die Geldwirtschaft rund um den Florentiner (einer in der Stadt geprägten Goldmünze) und dem Abakus zum Rechnen, die Textilproduktion mit der Wollherstellung und den Webereien, die monumentalen Bauten trugen dazu bei. (Roeck: Der Morgen der Welt. 2017, 364ff.)

An all dem beteiligt waren die Medici, im Florenz des 14. Jahrhunderts bereits eine wohlhabende, aber erst später die mächtigste Kaufmannsfamilie. Mit Giovanni di Bicci de’ Medici (1360-1429) und dem Bankhaus der Medici wuchs sowohl das Vermögen als auch die politische Macht der Dynastie, so dass die Medici zur einflussreichsten Familie und damit faktisch zur Herrscherfamilie aufstiegen. Erste Triebe renaissance-humanistischen Gedankenguts zeigten sich, in der Regierungszeit seines Sohnes Cosimo de‘ Medici (1389-1464) blüten sie auf. Cosimo förderte humanistische Philosophen wie Marsilio Ficino (1433-1499), Poggio Bracciolini (1380-1459) und den Byzantiner Johannes Argyropulos (1415-1487), förderte die Kunst (Architektur, Malerei, Bildhauerei).

Cosimos Nachfolge trat sein Sohn Piero de‘ Medici an, der aber bereits fünf Jahre später starb. Sein Sohn Lorenzo di Piero de’ Medici (1492-1519) wurde ab 1469 faktisch der Herrscher der Republik Florenz und verdiente sich den Beinamen il Magnifico (dt. der Prächtige): durch seine Liebe und großzügige Förderung der schönen Künste.

Es war zunächst ein kleiner Kreis von Gelehrten, die Neues mithilfe der antiken Schriften und Zeugnissen schaffen wollten: der Architekt Filippo Brunelleschi (1377-1446), der Bildhauer Donatello (1386-1466), der Bildhauer und Kunsttheoretiker Lorenzo Ghiberti (1378-1455), die Maler Masaccio (1401-1428) und Sandro Botticelli (1445-1510) sowie der Humanist, Kunst- und Architekturtheoretiker Leon Battista Alberti (1404-1472).

Brunelleschi und Ghiberti zeigten sich beispielsweise 1402 in recht jungem Alter als „Finalisten“ in einem Wettbewerb, den eine Florentiner Kaufmannszunft ausgeschrieben hatte: Zwei neue Türflügel sollten für die Taufkirche entstehen. Das Südportal wurde bereits 1330 von Andrea Pisano (1290-1348) in Zusammenarbeit mit einem venezianischen Spezialisten für Bronzegüsse entworfen und erstellt, das Nordportal stand nun in Planung – und Lorenzo Ghiberti ging als Sieger hervor. Er schuf ein Proberelief mit dem alttestamentarischen Thema der Opferung Isaaks durch seinen Vater Abraham. Dieses Werk „gehört zu den ersten Werken der Renaissance“ (Tönnesmann: Kunst der Renaissance. 2007, S. 13): „Der nackte Körper des zum Opfer bestimmten Isaak, der im letzten Moment durch Gottes Engel gerettet wird, gleicht dem eines antiken Gottes.“ (Roeck: Der Morgen der Welt. 2017, 454) Es zeigt sich folgend schön der Übergang von Mittelalter zur Renaissance, der nicht abrupt, sondern fließend erfolgte: Ghiberti orientierte sich bei den Türen, wie von den Auftraggebern auch verlangt, an dem Vorbild Pisanos, dem Südportal, ließ aber bereits Neues mit Rückgriff auf Altes (auf die Antike) in sein Werk einfließen.

Filippo Brunelleschi hingegen tat sich vor allem durch seine Architekturarbeiten hervor. Wer kennt sie nicht, die Kuppel der Kathedrale Santa Maria del Fiore (siehe das Bild oben) – für damalige Zeiten eine technische Meisterleistung! Brunelleschi wurde bezüglich der kirchlichen Architektur zur zentralen Figur der beginnenden Renaissance, zahlreiche Folgeprojekte kamen zustande. Hingegen lassen sich „über Brunelleschis Bedeutung für die Profan-Architektur (…) nur Vermutungen anstellen.“ (Wundram: Kunst-Epochen Band 6. 2019, S. 29)

In Ghibertis Werkstatt arbeitete zur Zeit der Erstellung der zuvor erwähnten Türportale ein weiterer bedeutender Künstler der Frührenaissance mit: der Bildhauer Donatello. Er schuf die erste freistehende Aktfigur, seinen „David“, um 1435.

In Architektur und der Bildhauerei finden sich schon deutliche Hinweise auf die so genannte Zentralperspektive. Besonders eindrucksvoll zeigt sich diese aber in der Malerei und ist in dieser Zeit v. a. verbunden mit dem Namen Masaccio (siehe unten).

Zur Malerei kurz noch eine Anmerkung: Der Blick zurück, in die Antike, war bezüglich der Malerei ein schweres Unterfangen. Gemälde aus der griechischen und römischen Antike gab es keine. Woran sollte man sich also orientieren? Es gab lediglich ein paar Beschreibungen von antiken Bildern, aber diese reichten nicht. Kurz: Es musste so zusagen mehr Neues geschaffen werden als in der Architektur oder der Bildhauerei.

Pier Paolo Vergerio (1370-1444): Bildung und Pädagogik

Vergerio gilt als Wegbereiter einer humanistischen Pädagogik. Im Jahre 1402 lebte und studierte er Griechisch in Florenz und dort vollendete er auch sein wohl wichtigstes Werk: „De ingenuis moribus et liberalibus adolescentiae studiis“. Er betont darin zunächst den großen Wert der „alten“, sprich: antiken Bücher: Sie übermitteln nicht nur Tatsachen und Geschehnisse der Vergangenheit, sondern auch „die Gespräche der Menschen“ – und diese bilden! (Zitate von Vergerio nach: Garin: Geschichte und Dokumente der abendländischen Pädagogik II. 1966, S. 193) Diese Bildung an die Kinder weiterzugeben, sei das beste, was Eltern ihren Kindern angedeihen könnten – immer in Verbindung mit dem öffentlichen Leben, zum Nutzen für die Gesellschaft: „(…) eine wohlerzogene Jugend ist für den Staat von höchstem Interesse“. (Ebd., S. 27 f.) Ein geordneter Unterricht solle den jungen Menschen die freien Künste nahebringen und je nach Veranlagung wähle daraus jeder sein eigenes Fach. Der Geist sollte geschult werden, doch auch die körperliche Ertüchtigung nicht zu kurz kommen.

Zentralperspektive und Geometrie: Masaccio (eigentlich Tommaso di Ser Giovanni di Mone Cassai, 1401-1428)

Wenn von der Zentralperspektive in der Malerei die Rede ist, so fällt meist der Name Masaccio. Er wird oft als Nachfolger Giottos bezeichnet, weil er dessen perspektivische Ideen ausweitete und das Realistische damit auf ein höheres Niveau hievte – und so schuf er wohl „das erste vollkommen zentralperspektivisch konstruierte Bild der Welt“ (Roeck: Der Morgen der Welt. 2017, S. 456). Gemeint ist hier Masaccios Werk „Die Heilige Dreifaltigkeit“, das dem Schauenden einen Blick in einen Raum vorspielt: „Die Grenze zwischen Bildraum und Realraum wird bis zu einem gewissen Grad aufgehoben.“ (Wundram: Kunst-Epochen Band 6. 2019, S. 144) Doch nicht nur die Illusion, auch die mit der Zentralperspektive angewandte Geometrie brachte etwas Besonderes hervor: Diese konnte „von jedermann und überall mit derselben Präzision angewandt werden.“ (Tönnesmann: Kunst der Renaissance. 2007, S. 28)

Masaccio schuf damit in der Malerei tatsächlich etwas Neues und seine Werke bildeten einen Maßstab für die Jahrzehnte nach seinem Tod, wenngleich nicht außeracht gelassen werden sollte, dass es gerade in der Zeit seines Schaffens auch noch etliche „Hauptwerke der Internationalen Gotik“ gab. (Wundram: Kunst-Epochen Band 6. 2019, S. 47)

Zwischen 1425 und 1428 arbeitete Masaccio Fresko in der Kirche Santa Maria del Carmine in Florenz mit. Dieses Werk, genannt „Der Zinsgroschen“ oder „Der Tempelgroschen“ und eines seiner Meisterwerke, zeigt Personen mit starken individuellen Zügen und lebhaften Gesten. Die Skulpturen von Donatello und Nanni di Bianco waren hierbei sicherlich Vorbilder.

Eine erste Kunsttheorie: Leon Battista Alberti (1404-1472)

Leon Battista Alberti war ein bekannter Architekt und ein Universalgenie, der sich scheinbar für alles interessierte: Er schrieb satirische Texte und ernste Ratgeber, philosophische Texte und Traktate, verfasste eine toskanische Grammatik und Schriften „über Pferdehaltung und Landwirtschaft“, berichtete in einer Art Autobiographie aus seinem Leben, entwickelte eine Methode zum Verschlüsseln von Texten, entwickelte mathematische Spiele usw. (Roeck: Der Morgen der Welt. 2017, S. 523f.)

Und er fertigte bedeutende Schriften über die Theorie der Kunst an:

• um 1435: De pictura (Über die Malkunst)
• um 1435: De statua (Das Standbild)
• 1443–1452: De re aedificatoria (Über das Bauwesen)

Das, was Masaccio mit seiner Malerei schaffte, theoretisierte Alberti in der Schrift über die Malerei. „So wird die Darstellungsform der Zentralperspektive, die den Malern seit einiger Zeit geläufig ist, erstmals als optisches Verfahren begründet und in ihren geometrischen Regeln dargestellt.“ (Tönnesmann: Kunst der Renaissance. 2007, S. 19) Alberti verwissenschaftlichte die Malerei und arbeitete gleichzeitig dagegen an: Sein Zielpublikum waren einerseits die Maler, die als Handwerker angesehen wurden, andererseits die humanistisch gebildeten Bürger. Das erste Buch wirkt recht mathematisch, wie schon zu seinen Lebzeiten kritisiert wurde. (Zöllner: Leon Battista Albertis „De pictura“, S. 24)

Tatsächlich sahen die gebildeten Humanisten die Werke der Maler eher als ein Handwerk denn mit Kunstgenuss. Interessanterweise betonte Alberti in der lateinischen Ausgabe gegenüber den Humanisten, welch hohes Ansehen die Malerei in der Antike besaß, während er in der italienischen Widmung, die sich eher an die Künstler richtete, die Malerei sogar auf einer Stufe mit den sieben freien Künsten stellte. (Zöllner: Leon Battista Albertis „De pictura“, S. 31)

Phantasie und Poesie: Sandro Botticelli (1445-1510)

Sandro Botticelli wirkte zum Ende der Frührenaissance, wurde gefördert von Lorenzo di Medici, der wegen seiner finanziellen Unterstützung der schönen Künste auch „il Magnifico“, also „der Prächtige“, genannt wurde. Lorenzo starb 1492, die Medici wurden zwei Jahre darauf vertrieben – daran beteiligt war der Dominikanermönch Girolamo Savonarola (1452-1498), der schließlich auch die Macht über die Stadt übernahm. Er prangerte den Humanismus und dessen Berufung auf die Antike an, ging gegen die Prunksucht der Stadt vor, ließ Kunstwerke und Literatur vernichten und übte starke Kritik an der Kirche. Die anderen italienischen Städte wandten sich gegen ihn, Papst Alexander VI. (1431-1503) exkommunizierte ihn. 1498 wurde Savonarola hingerichtet.

Botticelli zählte wohl nicht zu den Anhängern Savonarola, fertigte in dessen Herrschaftszeit allerdings nicht mehr dieselben Kunstwerke an wie zuvor, über die es heißt:

„Botticellis Gemälde eröffnen stets von vornherein den Raum für eine fiktive Parallelwelt, in dem die Figuren nicht als Abbilder der Realität agieren, sondern als Kunstfiguren einer poetischen Wirklichkeit, die gerade aufgrund ihrer Autorität auf die Wirklichkeit zurückwirken können.“ (Rehm: Botticelli. 2009, S. 83)

Botticellis Frauen (in seinen Kunstwerken) haben etwas Phantasievolles, Poetisches, das wegführte von den möglichst realistischen Porträts seiner Zeit. Das Naturalistische wich dem Phantasievollen. Sehr schön ist dies an den Bildern „Primavera“ (Frühling) und „Die Geburt der Venus“ zu sehen, die sich der griechischen Mythologie zuwandten. Beide haben viele Rätsel aufgegeben. In der Fachliteratur mehrfach erwähnt wird eine gewisse Abkehr von der Antike: Die Bilder stünden nicht mehr für eine erstrebenswerte Geschichte, sondern eher für einen Blick nach vorn: „für ein herbeigesehntes Goldenes Zeitalter“ (Tönnesmann: Kunst der Renaissance. 2007, S. 24). Die Antike werde noch als „literarische Vorlage“ genutzt, seien im formalen Bereich allerdings „nahezu bedeutungslos“: „Raum und Körper sind nicht mehr entscheidende Themen der künstlerischen Gestaltung“, so Manfred Wundram. (Wundram: Kunst-Epochen Band 6. 2019, S. 158)

Primavera ist ein flächiges Bild, nahezu ohne Perspektive und Räumlichkeit. 8 lebensgroße Personen beherrschen die Szene (von links nach rechts):

• Merkur, der Götterbote, ist zum linken Bildrand gewendet und damit beschäftigt, aufziehende Wolken zu vertreiben, um den Frühling nicht zu stören. Aber auch, um den Frieden zu bewahren, denn er tut dies mit einem so genannten Caduceus, der als Zeichen des Friedens galt: „Der antiken Mythologie zufolge trennte Merkur damit zwei sich bekämpfende Schlangen (…).“ (Deimling: Sandro Botticelli. 1999, S. 43.) Sein Schwert zeigt, dass er diesen Frieden auch gegen Feinde verteidigen würde.
• Rechts neben Merkur tanzen drei Grazien offenbar einen Reigen. Nur in „zarte, transparente Tücher gehüllt“, erscheinen sie „fast nackt“. (Beck: Malerei der italienischen Renaissance. 1999, S. 190) Sie sind die Begleiterinnen der folgenden Person: der Venus.
• Die mit einem hellen Kleid und einem roten Umhang bekleidete Göttin der Liebe, die Venus, steht in der Mitte des Bildes, allerdings zurückgenommen durch ihre etwas nach hinten gesetzte Position. Die Bäume, die rechts und links von ihr wachsen, schließen hinter und über sie mit ihren Ästen und Blättern – in der Form eines Kirchenfensters, so dass die Venus (mich) an die Gottesmutter Maria erinnert. Ihr Blick ist wie bei den drei Grazien leicht abwesend, verträumt und melancholisch – und damit ähnlich dem Gesichtsausdruck der Venus in dem Gemälde „Die Geburt der Venus“. Über ihr schwebt ihr Sohn Amor, der Gott der Liebe, der mit verbundenen Augen kurz davor ist, einen Pfeil in Richtung der Grazien abzuschießen.
• Rechts von der Venus ist die Namensgeberin des Bildes: Flora, die Göttin der Blüte und damit des Frühlings (Primavera), die in einem Blumenkleid Rosen streut. Nach dem antiken, römischen Dichter Ovid wurde eine Nymphe von dem Windgott Zephyr verfolgt und zu dessen Frau gemacht. Er verwandelte sie schließlich in die „Blumengöttin des Frühlings“: Flora. (Deimling: Sandro Botticelli. 1999, S. 41.) Die auf dem Gemälde Botticellis rechts von Flora zu sehende Frau ist wohl diese Nymphe. Eine Verbindung von ihr zur Venus ergibt sich u. a. aus den Blumen, die aus dem Mund der Nymphe kommen und den Blumen des Kleides der Flora gleichen.
• Auch der „Verfolger“ der Nymphe, Zephyr, ist am rechten Rand des Bildes zu sehen. Er hat Flügel, eine blaugrüne Haut und einen ebensolchen, etwas dunkleren Umhang. Er dringt gewaltvoll durch zu der Nymphe, gegen den Widerstand der Bäume.

Wie gesagt: Die Deutungen der Szenerie sind vielfältig. Sie reichen von der Darstellung der Jahreszeiten über christliche Einordnungen bis hin zur platonischen Philosophie.

Perspektivischen Aufbau und eine naturalistische Darstellung sucht man auch in der „Geburt der Venus“, entstanden um 1485 und wohl der erste Frauenakt in der Geschichte der Malerei, vergebens, was u. a. durch die dunklen Umrisslinien der Figuren unterstützt wird. Die naturalistische Darstellung wich hier einer durchgeistigten, verklärten, schwebenden Traumwelt von unnachahmlicher Anziehungskraft.“ (Beck: Malerei der italienischen Renaissance. 1999, S. 197) Botticelli malte hier den wohl ersten Frauenakt.

Filarete und Donato Bramante: Theorien und Praxis der Architektur

„Von der Frührenaissance, die in Florenz mit Brunelleschi, Alberti und Michelozzo eingesetzt hatte, blieb Mailand unberührt“, heißt es in dem Artikel „Renaissance in Mailand“ der Neuen Zürcher Zeitung (04.05.2001, mit Berufung auf einen Ausstellungskatalog). Dies ist vielleicht etwas zu weit gegriffen, schließlich wirkte schon Mitte des 15. Jahrhunderts der Bildhauer und Architekt Filarete in Mailand. Filarete (eigentlich Antonio di Pietro Averlino, ca. 1400-ca. 1469), der aus Florenz stammte und zunächst dort arbeitete, schuf die Stadt Sforzinda, allerdings nur auf dem Papier – wie „die meisten urbanistischen Träume der Renaissance allein Text und Zeichnung“ (Roeck, S. 651) blieben, wenngleich diese Art der Urbanistik-Theorien ein gänzlich neues Phänomen darstellte: „Europa entdeckte, dass Städte ‚schön‘ sein können (…)“ (ebd.).

Erwähnung finden muss natürlich noch Donato Bramante (1444-1514), einer der einflussreichsten und bekanntesten Architekten der Renaissance, der am Mailänder Hof auch als Musiker und Dichter anerkannt war. Er weilte einige Jahre in Mailand, laut Manfred Wundram seit 1476, der dieses Jahr dann auch als „den eigentlichen Auftakt zur Renaissance“ für „das westliche Oberitalien“ bestimmt. Wundram führt als Beleg Bramantes Wirken an der Mailänder Kirche Santa Maria presso San Satiro an: Mit „virtuoser Phantasie“ mischte er verschiedene Architekturgattungen erschuf er erstaunliche perspektivische Illusionen, die es bis dato nicht gegeben hatte und im weiteren Verlauf des 15. Jahrhunderts nicht geben sollte.

Rom, Neapel, Mailand – weitere wichtige Städte in der und für die Frührenaissance

Florenz war sicherlich die bedeutendste Stadt für den Beginn der Renaissance, andere Städte zogen aber nach: Es fanden sich auch dort Personen, die ähnliche Wege gingen wie die Florentiner.

Rom

Rom war im 14. Jahrhundert nicht gerade eine Vorzeigestadt: Marc Reichwein, Redakteur des WELT-Feuilleton, schreibt mit Berufung auf das Buch „Rom. Vom Mittelalter zur Renaissance. 1378–1484“ von Arnold Esch (München 2016): „Noch um 1400 vergammelte Rom in seiner nach wie vor antiken Infrastruktur: Das einstige Caput Mundi war eine schäbige, mittelalterliche Kleinstadt in den Ruinen einer einstigen Millionenmetropole – und mit seinen 25.000 Einwohnern kleiner als Florenz oder Venedig.“ (Artikel „Die fragwürdige Papstpracht im Rom der Renaissance vom 22.12.2016). Doch das sollte sich ändern: Im Laufe des 15. Jahrhunderts erstarkte Rom, teilweise auch durch den Einfluss aus Florenz, teilweise wohl auch durch, heute würde man sagen Infrastruktur-Maßnahmen des Papstes Nikolaus V. (1397-1455, Papst ab 1447). Er veranlasste auch den entscheidenden Ausbau der vatikanischen Bibliothek: Schriften aus ganz Europa wurden herbeigeschafft, tausende Bücher abgeschrieben und übersetzt (Roeck, Morgen der Welt, S. 551).

In Rom zeigte ein gewisser Flavio Biondo (1392-1463) seine Begeisterung für die „Alten“, indem er antike Gebäude der Stadt und darauf folgend auch ganz Italiens beschrieb: In seiner „Italia illustrata“, die nach seinem Tod erschien, aber bereits 1453 fertiggestellt war, zeichnete er ein Bild Italiens, das nach der glorreichen römischen Antike niederfiel, sich nun aber wieder zu alter Stärke und Größe aufrichte. (Muhlack: Renaissance und Humanismus. 2017, S. 210.) Ungefähr 50 Jahre später machte es ihm übrigens Konrad Celtis (1459-1508) mit seiner „Germania illustrata“ nach.

Mitte des 15. Jahrhunderts lebte auch Lorenzo Valla (um 1407-1457) in Rom. Dort auch geboren, wirkte er zunächst in verschiedenen Städten Italiens (Piacenza, Pavia und Mailand), bevor er 1448 nach Rom zurückkehrte. Bekannt ist er bis heute vor allem, weil er die berühmte Schenkung Konstantins I. (römischer Kaiser im 4. Jahrhundert) als Fälschung nachwies: Die Urkunde vermachte angeblich der christlichen Kirche viele Rechte und große Territorien. Doch Valla war auch ein bekannter Textkritiker, er „eröffnete die moderne Bibelkritik“ (Meuthen: Das 15, Jahrhundert. 1984, S. 87.) und wird auch als „Neubegründer der Rhetorik“ (Roeck: Der Morgen der Welt. 2017, S. 502) bezeichnet. Insgesamt eckte er – laut Peter Burke ein „enfant terrible des Humanismus“ (Burke: Die europäische Renaissance. 1998, S. 61) – mit seiner teils harschen, aber auch sprachlich meisterliche Kritik immer wieder an und stand sogar kurz davor, der Inquisition zum Opfer zu fallen.

Neapel

Bis 1442 stand Neapel unter der Herrschaft des Geschlechts des französischen Hauses Anjou. Bereits im 13. Jahrhundert erlangte die Stadt größere Bedeutung in Wirtschaft und Kultur. 50.000 Personen lebten um 1300 dort. Die folgenden spanischen Herrscher trugen dann ihren Teil dazu bei, dass Neapel zu einer der wichtigsten Städte der Renaissance und des Humanismus avancierte.

Einige wichtige Werke verfasste der oben erwähnte Lorenzo Valla auch in Neapel, am Hof des neapolitanischen Königs Alfons V. von Aragon (1396-1458), der Valla als königlichen Sekretär anstellte. Alfons V. von Aragon war ein großer Freund und Förderer des Humanismus. Er versammelte einige Humanisten um sich, zum Beispiel den Hofhistoriker Bartolomeo Fazio (1400-1457), der (Kurz-)Biografien sowohl von Alfons als auch von anderen berühmten Männern der Zeit schrieb. Einer davon brachte die Gelehrten zu Gesprächen in Neapel zusammen, zu kleinen Treffen, oft in der Öffentlichkeit: Antonio Beccadelli (1394-1471).

Mailand

Die Geschichte der Stadt Mailand haben vor und zu Beginn der Renaissance vor allem zwei Familien geprägt: die Visconti und die Sforza. Die Visconti gab es bereits im 11. Jahrhundert in Mailand. Mit Ottone Visconti (1207-1295) stellten sie im 13. Jahrhundert den Erzbischof der Stadt, mit Matteo I. Visconti (1250-1322) einen politischen Anführer der Stadt sowie den kaiserlichen Vikar der Lombardei. Die Macht der Visconti erweiterte in der Mitte des 14. Jahrhunderts Giovanni Visconti (1292-1349). Der mächtigste Herrscher aus der Familie der Visconti war schließlich Gian Galeazzo Visconti (1351-1402). Bedeutende Städte im Norden Italiens wurden erobert, zum Beispiel Pavia, Piacenza, Parma, Cremona, Bergamo, Brescia, Verona, Como, dann noch Verona und Vicenza (Venetien), Pisa, Siena und Perugia (Umbrien und Toskana).

Gian Galeazzo Visconti hatte zwei Söhne, männliche Nachkommen blieben diesen aber verwehrt – und so übernahm die Familie der Sforza 1450 die Herrschaft in Mailand und schuf ein „eindrucksvolles(s) Zusammenspiel von sozialem Wohlstand, Wirtschaftsblüte, schrankenloser Förderung der Gelehrsamkeit und Künste“ (Diwald: Anspruch auf Mündigkeit. 1982, S. 96).

In den Dienst Gian Galeazzo Viscontis trat Antonio Loschi (1365 oder 1368-1441). Er hatte in Pavia Grammatik und Rhetorik studiert und galt später als einer der führenden Humanisten seiner Zeit. (Burke: Die europäische Renaissance. 1998, S. 60) Er war stark in die Politik eingebunden, was zu Konflikten mit bedeutenden Humanisten anderer Herrscher führen sollte.

Nach Filarete und Bramante (s.o.) kam erst mit Leonardo da Vinci (1452-1519) richtig Schwung in die Mailänder Renaissance-Entwicklungen. 1481 gekommen sollte er über 20 Jahre für die Sforzas arbeiten. Im nächsten Kapitel „Die Hochrenaissance“ wird der Universalgelehrte näher vorgestellt.

Ferrara und Mantua

Peter Burke betont die große Bedeutung der humanistischen Schulen in Ferrara und Mantua. Sie dienten vor allem den Herrscherfamilien: Durch die Lehrenden wurden die Fürsten der nächsten Generation humanistisch geschult. (Burke: Die europäische Renaissance. 1998, S. 65) Charakter und Intellekt sollten geschult werden, das Lernen sollte voller Genuss sein. Für den Markgraf von Ferrara, Niccolò III. d’Este um 1383-1441) war zum Beispiel Guarino von Verona (1374-1416) als Erzieher und Lehrer des Sohnes tätig, nachdem er in Konstantinopel studiert hatte und von dort zahlreiche Manuskripte mitgebracht sowie Schriften von Strabon und Plutarch übersetzt hatte. Später erhielt er eine Berufung zum Professor in Ferrara.

Erziehend und bildend tätig wurde auch Vittorino da Feltre (1378-1446) in Mantua bei dem dort herrschenden Gianfrancesco I. Gonzaga (1395-1444). Er war maßgeblich beteiligt an der Errichtung des ersten Internats der Bildungsgeschichte. (Roeck: Der Morgen der Welt. 2017, S. 500.)