„Canvas Legends“: Meisterwerke in ultrahoher Auflösung

Werke von Dürer, Caravaggio, Rembrandt, Vermeer und anderen – ab sofort sind über 1.100 Meisterwerke der Berliner Gemäldegalerie in extrem hochauflösender Gigapixel-Qualität auf der Themenseite goo.gle/canvaslegends und in der Google Arts & Culture App zugänglich. Ziel ist es, die weltberühmte Sammlung durch moderne Technologie neu erlebbar zu machen – als digitale Erweiterung des Museumsbesuchs und für ein globales Publikum.

Möglich gemacht hat das sogenannte „Canvas Legends“-Projekt eine Zusammenarbeit zwischen der Stiftung Preußischer Kulturbesitz und Google Arts & Culture. Die ultrahochauflösende Digitalisierung mit der Google Art Camera erfasst die Kunstwerke in sehr guter Detailtiefe. Selbst winzige Pinselstriche oder versteckte Motive werden sichtbar, was sowohl für die Forschung als auch für Kunstinteressierte neue Perspektiven eröffnet.

Die 50 thematischen Online-Ausstellungen widmen sich einzelnen Werken und ordnen sie in den menschlichen Lebenszyklus ein – von Kindheit bis Alter. Dies schafft unerwartete Bezüge zwischen historischer und heutiger Lebenswelt. Zu jedem Bild gibt es eine ausführliche Beschreibung.

Hinzu kommt ein KI-Pilotprojekt, ein innovatives Audio-Tool, das zwei fiktive Mäuse die Sammlung spielerisch erkunden lässt. Basierend auf Googles KI-Modell Gemini entstehen dabei humorvolle, individuell generierte Dialoge, die Kunstgeschichte niedrigschwellig vermitteln.

Zur Zusammenarbeit: Die Gemäldegalerie der Staatlichen Museen Berlin ist seit 2011 Partner von Google Arts & Culture. Das aktuelle Projekt ist die bisher umfangreichste Digitalisierung in höchster Qualität und unterstreicht die langjährige, innovative Zusammenarbeit.

• zur Website „Canvas Legends – Von Botticelli bis Vermeer: Wie die Alten Meister das Leben erzählen“
• Pressemitteilung und Pressebilder der Staatlichen Museen zu Berlin

Ausstellung „Noble Begierden – Eine Geschichte des europäischen Kunstmarkts“

Allgemeine Informationen, weiterführende Presseartikel sowie Link- und Literaturtipps zur Ausstellung und zum Thema „Geschichte des Kunstmarkts“!

Istanbul im Blick: Wie Europa den Bosporus sah

Die Metropole am Bosporus hat Europa seit jeher fasziniert – als Schmelztiegel der Kulturen, als Projektionsfläche für Sehnsüchte und als Ort politischer Spannungen. Nun wirft das Kupferstichkabinett der Staatlichen Museen zu Berlin in der Ausstellung „Bosporus Beats. Blicke auf Istanbul von 1500 bis 1800“ einen vielstimmigen Blick auf die osmanische Hauptstadt und ihre Wahrnehmung in Mitteleuropa. Vom 13. Februar bis 31. Mai 2026 zeigt die Schau, wie Künstler wie Dürer, Rembrandt oder Antoine Ignace Melling die Stadt zwischen Realität und Mythos einfingen: mal als glanzvolle Metropole, mal als exotisches Klischee.

Im Zentrum steht die Frage, wie Perspektiven entstehen – und wer sie prägt. Mellings detailreiche Kupferstiche, die selbst Orhan Pamuk als Meisterwerke lobte, treffen auf zeitgenössische Positionen von Künstlerinnen wie Nevin Aladağ oder Esra Gülmen, die heute über Identität, Migration und die Macht von Vorurteilen nachdenken. Die Ausstellung verbindet historische Werke mit aktuellen Debatten und lädt ein, die Bilder von gestern mit den Fragen von heute zu konfrontieren. Ein Begleitprogramm mit Workshops und Lesungen, etwa im Literaturhaus Berlin, macht die Schau zu einem lebendigen Echoraum für Begegnungen zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Wer wissen will, wie Kunst Geschichte schreibt und warum Istanbul bis heute polarisiert, findet hier überraschende Antworten.

weitere Informationen auf den Seiten der Staatlichen Museen Berlin

Pressemitteilung und -materialien

Kunst und Kommerz: Wie der Markt die Kunstgeschichte prägte – Ausstellung in Wien

Der Kunstmarkt gilt oft als undurchsichtig oder gar unseriös. Doch wie Olga Kronsteiner in „Der Standard“ zeigt, war er seit jeher ein zentraler Motor der Kunstgeschichte. Die Ausstellung „Noble Begierden – Eine Geschichte des europäischen Kunstmarkts“ im Wiener Gartenpalais Liechtenstein (noch bis 6. April zu sehen) beweist: Ohne Handel, Strategien und Vermarktung gäbe es viele Meisterwerke heute nicht.

Von den ersten Kunstmessen im Antwerpen des 15. Jahrhunderts über die Massenproduktion im „Goldenen Zeitalter“ der Niederlande bis zu legendären Auktionen wie der Versteigerung von Lucas van Uffels Sammlung 1639 – die Schau spannt einen Bogen über 2.000 Jahre. Sie enthüllt, wie Künstler wie Rembrandt oder Händler wie die Medici nicht nur Kunst schufen, sondern auch Märkte. Und wie scheinbar trockene Aufzeichnungen – etwa die Werkstattbücher des Florentiner Malers Neri di Bicci – plötzlich die Preisgestaltung, Materialwahl und Arbeitsabläufe der Renaissance lebendig werden lassen.

Über 200 Exponate, darunter Leihgaben aus London, Madrid und Braunschweig, erzählen von einem System, das Kreativität und Kalkül vereinte: Wie ersetzte man teures Lapislazuli durch Azurit? Warum hingen in Amsterdamer Bürgerhäusern durchschnittlich 37 Gemälde? Und wie wurde Raffaels Porträt des Baldassare Castiglione zum Spekulationsobjekt – mit Folgen bis in Rembrandts Selbstbildnisse?

Die Ausstellung ist nicht nur eine Hommage an die Kunst, sondern auch an ihre unsichtbaren Akteure: die Händler, Sammler und Auktionatoren, die den Kanon mitprägten. Ein Muss für alle, die verstehen wollen, warum Kunst ohne Kommerz kaum denkbar ist.

zur Meldung von Olga Kronsteiner auf der Website von „Der Standard“

„Italian Palaces“ von Massimo Listri: Ein opulenter Bildband feiert Italiens vergessene Adelswelten

Italiens Palazzi üben seit jeher eine magische Anziehungskraft aus – doch wer kann sie schon alle von innen sehen? Massimo Listris neuer Bildband „Italian Palaces“ macht es möglich, so Irene Helmes in ihrer Rezension für die Süddeutsche Zeitung. Mit seinen großformatigen Fotografien öffnet er Türen zu prunkvollen Räumen, die sonst oft verschlossen bleiben: von den verspielten Ornamenten der Renaissance bis zur kühlen Eleganz klassizistischer Salons.

Helmes betont, wie Listris Aufnahmen die Aura dieser Bauwerke einfangen: mal als strahlende Zeugnisse vergangener Pracht, mal als melancholische Relikte, die die Zeit nur knapp überdauert haben. Besonders faszinierend seien die Details – etwa die täuschend echten Trompe-l’œil-Malereien oder die filigranen Intarsien, die erst beim zweiten Hinsehen ihre ganze Kunstfertigkeit offenbaren. Der Band sei kein trockenes Architekturwerk, sondern ein sinnliches Erlebnis, das zum Schwelgen einlädt.

Dabei stellt die Rezensentin klar: Hier steht die Schönheit der Paläste im Mittelpunkt, nicht ihre oft düstere Entstehungsgeschichte. Wer mehr über die architektonischen Hintergründe wissen möchte, findet in Robert Stallas Einleitung fundierte Erläuterungen. Doch auch ohne Vorwissen wird das Blättern zum Vergnügen – ein Ausflug in eine Welt, die zwischen Dekadenz und zeitloser Eleganz schwankt.

mehr dazu in der vollständigen Rezension auf Süddeutsche Zeitung

Rezension: Amy Dempseys Blick auf den weiblichen Körper in der Kunst

Wie werden Frauen in der Kunst dargestellt – als idealisierte Schönheiten, symbolträchtige Figuren oder selbstbewusste Individuen? Diese Frage steht im Zentrum von Amy Dempseys neuem Bildband „Der weibliche Körper in der Kunst“, den Rolf Löchel auf Literaturkritik.de rezensiert. Anhand von 80 Werken – von Botticellis Geburt der Venus bis zu zeitgenössischen Fotografien – zeigt die Kunsthistorikerin, wie sich die Darstellung weiblicher Körper über die Jahrhunderte verändert hat. Dabei wird deutlich: Während Männer lange den Blick auf die Frau prägten, brachen Künstlerinnen spätestens mit der feministischen Avantgarde des 20. Jahrhunderts mit diesen Klischees.

Dempsey beleuchtet nicht nur bekannte Meisterwerke, sondern lenkt den Fokus auch auf vergessene Künstlerinnen wie Leonor Fini oder Sofonisba Anguissola. Ihr Band macht deutlich, wie Kunst gesellschaftliche Normen spiegelt – und manchmal herausfordert. Ob als Madonna, Femme fatale oder selbstbestimmte Protagonistin: Die Frau bleibt eines der faszinierendsten Motive der Kunstgeschichte. Doch wer entscheidet, wie sie gezeigt wird? Und warum sind nackte Frauen in Museen bis heute allgegenwärtiger als Werke von Künstlerinnen? Eine informative und anregende Reise durch die Geschichte der Frauendarstellungen, die zum Nachdenken und Entdecken einlädt – aber auch so manche Schwachstelle hat, wie Löchel betont.

zur Rezension von Rolf Löchel auf Literaturkritik.de

Wyzinanka: Vom vergänglichen Papierschmuck zum Symbol des Widerstands in Belarus

Wie Nina Frieß auf dekoder.org berichtet, ist die Wyzinanka weit mehr als nur eine traditionelle Scherenschnitt-Kunst aus Belarus: Ursprünglich aus China stammend, entwickelte sie sich im 16. Jahrhundert zu einer Volkskunst, die heute zwischen kultureller Identität und politischem Protest steht. Was einst als schlichter Wandschmuck für Feiertage diente, wurde 2024 von der UNESCO als immaterielles Kulturerbe anerkannt – und steht plötzlich unter Beobachtung des Lukaschenko-Regimes.

Der Künstler Vital Nazarevič, dessen Instagram-Account im Januar 2026 als „extremistisch“ eingestuft wurde, zeigt, wie eine scheinbar harmlose Technik zum politischen Statement wird. Doch wie wurde aus einem vergänglichen Papierschmuck, der einst nach Ostern im Kamin landete, ein Medium des stillen Widerstands?

Die Wyzinanka erlebte im 19. Jahrhundert ihren Durchbruch, als Papier für alle verfügbar wurde. Heute verbindet sie Tradition mit Moderne: Von Kunstakademien bis zu hippen Cafés, von folkloristischen Motiven bis zu politischen Botschaften. Besonders auffällig ist ihre Verbindung zur belarussischen Sprache – ein Akt der kulturellen Selbstbehauptung in einem Land, in dem Russisch dominiert.
Warum diese filigrane Kunstform gerade jetzt zum Symbol des Protests wird und wie sie zwischen Ästhetik und Subversion oszilliert, lesen Sie im vollständigen Artikel:

zum Artikel von Nina Frieß auf dekoder.org

„Zeiten und Räume“: Das Von der Heydt-Museum zeigt seine Schätze – von Ruisdael bis Kiefer

Das Von der Heydt-Museum in Wuppertal präsentiert seine neu gestaltete Dauerausstellung „Zeiten und Räume“ – eine visuelle Reise durch vier Jahrhunderte europäischer Kunst. Statt einer klassischen Chronologie setzt die Schau auf künstlerische Netzwerke und verbindet Meisterwerke von Jacob van Ruisdael über Claude Monet und Paula Modersohn-Becker bis zu Alberto Giacometti. Besonders spannend: die innovative Gruppierung der Werke nach prägenden Orten wie Paris, Berlin oder dem Künstlerdorf Worpswede.

Ein Highlight ist das jüngst erworbene Gemälde „Anselm fuit hic“ (2015–2023) von Anselm Kiefer – das erste Werk des weltbekannten Künstlers in der Sammlung. Eingebettet zwischen historischen Landschaften, schafft es überraschende Bezüge zwischen Tradition und Moderne. Mit über 2.000 Gemälden und 500 Skulpturen zählt das Museum zu den bedeutendsten Kunstorten Deutschlands. Die Ausstellung unterstreicht nicht nur den Rang der Sammlung, sondern auch Wuppertals kulturelle Strahlkraft. Ein Erlebnis für alle, die Kunst neu entdecken wollen.

zur Meldung des Museums zur Ausstellung

Bremen Zwei: Was macht die Kunst?

Es sind kleine Kunsthappen, die der Radiosender Bremen Zwei  alle 14 Tage präsentiert. Eine/e Moderator/in stellt kurze Fragen zu einem Kunstwerk, die  Kunstkolumnistin und Journalistin Kia Vahland erklärt in den jeweils ca. 4,5 min langen Beiträgen, was der Kunstschaffende ausdrücken wollte. Immer wieder wird auch der Bogen in die Gegenwart gezogen – wie zum Beispiel in der aktuellen Folge zu dem Gemälde „Die Jäger im Schnee“ von Pieter Bruegel dem Älteren (1525/30 bis 1560) zur aktuellen Winterkälte der letzten Tage und Wochen.

Die Sendungen sind kurzweilig und ansprechend, auch für den Kunst-Laien gut aufbereitet.

Die Folgen der letzten Wochen:

• Die Jäger im Schnee von Pieter Bruegel
•  Lucas Cranach der Ältere: Adam und Eva
• Jean-Etienne Liotard: Das Schokoladenmädchen
• Peter Paul Rubens: Christus mit Johannesknaben und zwei Engeln
• Bildnis Elisabeth Lederer von Gustav Klimt
• Badende Frau von Rembrandt

Der Neid in der Kunst der Renaissance und des Barock

Wie lässt sich ein Gefühl darstellen, das im Verborgenen wütet, die Seele zerfrisst und doch so tief im Menschlichen verwurzelt ist? Ilaria Baratta untersucht auf Finestre sull’Arte, wie Künstler von der Renaissance bis zum Barock den Neid in verstörende, fast greifbare Bilder übersetzten – als monströse Frauen mit Schlangen im Haar, von Flammen umzüngelte Gestalten oder Wesen, die sich selbst verschlingen.

Schon Dante Alighieri (1265–1321) verdammte die Neider in seinem Fegefeuer zu einer grausamen Strafe: Augen mit Draht vernäht, um ihnen das Sehen zu nehmen, das sie zu Lebzeiten missbrauchten. Doch nicht nur die Literatur, auch die bildende Kunst griff das Motiv auf und formte es zu einer Ikonografie des Schreckens. Cesare Ripa (ca. 1560–1622) beschrieb den Neid in seiner Iconologia als alte, zerzauste Frau mit Schlangen im Haar – ein Symbol für die giftigen Gedanken, die sie selbst und andere vergiftet. Giotto (1267–1337) malte sie in der Scrovegni-Kapelle als blinde, von Flammen umtoste Gestalt, deren eigene Bosheit sich gegen sie wendet. Federico Zuccari (1539–1609) ließ sie in seiner Porta Virtutis als nackte, von Schlangen umschlungene Kreatur zu Boden sinken, während Giorgio Vasari (1511–1574) sie in einem Fresko kopfüber stürzend zeigte – ein Sinnbild für den Verlust der Menschlichkeit.

Von Giusto Le Courts (1627–1679) marmorner Büste, deren Schlangen sich in das Fleisch der Neidischen bohren, bis zu Nicolas Poussins (1594–1665) Allegorie, in der die Zeit die Wahrheit vor den Angriffen des Neids bewahrt: Die Kunstgeschichte zeigt, dass dieses Laster nie harmlos war. Es ist ein Feuer, das den Neidischen selbst verbrennt, ein Gift, das ihn von innen auffrisst. Barattas Analyse macht deutlich, warum der Neid nicht nur als moralische Warnung, sondern auch als künstlerische Herausforderung diente – und wie sehr diese Darstellungen bis heute faszinieren.

zum Artikel von  Ilaria Baratta auf finestresullarte.info