Musik und Komponisten des Elisabethanischen Zeitalters

Elizabeth I. und Robert Dudley tanzen eine Volte. Ca. 1580. Künstler: ggf. Marcus Gheeraerts

Anlässlich der Uraufführung der Oper „Of One Blood“ von Brett Dean an der Bayerischen Staatsoper stellt Volkmar Fischer auf BR Klassik in einem Listicle (Liste plus Artikel) die prägendsten Komponisten der elizabethanischen Renaissance vor, d. i. die Regierungszeit von Königin Elisabeth I. von 1558 bis 1603.

Im Mittelpunkt stehen Musiker wie Thomas Tallis, der als „Gentleman der Chapel Royal“ unter Elisabeth I. wirkte und mit Werken wie der 40-stimmigen Motette „Spem in Alium“ die Hofmusik prägte. Auch Anthony Holborne und John Dowland werden erwähnt: Holborne bereicherte als Lautenist und Komponist die Tanzmusik am Hof, während Dowland nach Reisen durch Europa in London zum „Musician for the lutes“ aufstieg.

Der Artikel betont, wie Elisabeth I. – selbst gebildete Kennerin von Latein und Griechisch – eine Blütezeit der Musik förderte, die bis heute als kulturelles Erbe des elizabethanischen Zeitalters gilt.

• zum Artikel von Volkmar Fischer auf BR Klassik

Der Neid in der Kunst der Renaissance und des Barock

Wie lässt sich ein Gefühl darstellen, das im Verborgenen wütet, die Seele zerfrisst und doch so tief im Menschlichen verwurzelt ist? Ilaria Baratta untersucht auf Finestre sull’Arte, wie Künstler von der Renaissance bis zum Barock den Neid in verstörende, fast greifbare Bilder übersetzten – als monströse Frauen mit Schlangen im Haar, von Flammen umzüngelte Gestalten oder Wesen, die sich selbst verschlingen.

Schon Dante Alighieri (1265–1321) verdammte die Neider in seinem Fegefeuer zu einer grausamen Strafe: Augen mit Draht vernäht, um ihnen das Sehen zu nehmen, das sie zu Lebzeiten missbrauchten. Doch nicht nur die Literatur, auch die bildende Kunst griff das Motiv auf und formte es zu einer Ikonografie des Schreckens. Cesare Ripa (ca. 1560–1622) beschrieb den Neid in seiner Iconologia als alte, zerzauste Frau mit Schlangen im Haar – ein Symbol für die giftigen Gedanken, die sie selbst und andere vergiftet. Giotto (1267–1337) malte sie in der Scrovegni-Kapelle als blinde, von Flammen umtoste Gestalt, deren eigene Bosheit sich gegen sie wendet. Federico Zuccari (1539–1609) ließ sie in seiner Porta Virtutis als nackte, von Schlangen umschlungene Kreatur zu Boden sinken, während Giorgio Vasari (1511–1574) sie in einem Fresko kopfüber stürzend zeigte – ein Sinnbild für den Verlust der Menschlichkeit.

Von Giusto Le Courts (1627–1679) marmorner Büste, deren Schlangen sich in das Fleisch der Neidischen bohren, bis zu Nicolas Poussins (1594–1665) Allegorie, in der die Zeit die Wahrheit vor den Angriffen des Neids bewahrt: Die Kunstgeschichte zeigt, dass dieses Laster nie harmlos war. Es ist ein Feuer, das den Neidischen selbst verbrennt, ein Gift, das ihn von innen auffrisst. Barattas Analyse macht deutlich, warum der Neid nicht nur als moralische Warnung, sondern auch als künstlerische Herausforderung diente – und wie sehr diese Darstellungen bis heute faszinieren.

zum Artikel von  Ilaria Baratta auf finestresullarte.info

Leonardo da Vincis genetischer Fingerabdruck? Forscher finden männliche DNA auf berühmter Zeichnung

Ein internationales Forscherteam unter Leitung von Harinder Singh, Seesandra V. Rajagopala, Rebecca Hart, Pille Hallast und Mark Loftus könnte einen Schlüssel zur Entschlüsselung von Leonardo da Vincis Erbgut gefunden haben. Wie der Wissenschaftsjournalist Daniel AJ Sokolov berichtet, entdeckten die Wissenschaftler auf der Rückseite einer da Vinci zugeschriebenen Kreidezeichnung – dem „Heiligen Kind“ – männliche DNA-Spuren. Die um 1474 entstandene Zeichnung wurde mit forensischen Methoden untersucht, die zuvor an weniger wertvollen Kunstwerken erprobt wurden.

Die Analyse ergab nicht nur menschliches, sondern auch pflanzliches, bakterielles und virales Erbgut, das ein Umweltprofil der Entstehungszeit liefert. Besonders spannend: Die männlichen Chromosomen auf der Zeichnung und ein Daumenabdruck auf einem Brief eines da Vinci-Verwandten stammen aus derselben Haplogruppe, die in der Toskana verbreitet ist. Dies stützt die Theorie, dass die Spuren mit dem Künstler oder seinem Umfeld in Verbindung stehen könnten.

Obwohl die Zuordnung zu da Vinci selbst unsicher bleibt, eröffnet die Studie neue Wege, biologische Spuren in historischen Artefakten zu analysieren. Die Forscher planen nun, die DNS-Daten durch Telomer-Sequenzierung weiter zu präzisieren und Proben von möglichen Verwandten zu untersuchen.

zur Meldung von Daniel AJ Sokolov auf heise.de

zum noch nicht begutachteten Bericht (engl.)

zu einer Meldung von Science über diesen Bericht (engl.)

Ein verstecktes Juwel der Renaissance: Illusionistische Wandmalerei in Innsbrucks Altstadt entdeckt

Von einer überraschenden Entdeckung in der Innsbrucker Altstadt berichtet Teresa Andreae auf tirol.ORF.at: In den alten Gemäuern eines romanischen Hauses, das heute als Hotel dient, kam während der Sanierung ein außergewöhnliches Zeugnis der späten Renaissance ans Licht. Eine illusionistische Wandmalerei aus den 1580er Jahren, die an italienische Vorbilder erinnert, zeigt eine scheinbare Gartenlandschaft mit Scheinarchitekturen. Im Vordergrund sind eine elegante Dame und ein Kind mit einem blauen Papagei zu sehen – möglicherweise Familienmitglieder des unbekannten Auftraggebers.

Das Haus in der Hofgasse, nur wenige Schritte von der kaiserlichen Hofburg entfernt, birgt eine bewegte Geschichte: Von seinen romanischen Anfängen über die Residenz der Freiherren von Wolkenstein bis hin zur heutigen Nutzung als Hotel. Walter Hauser, ehemaliger Tiroler Landeskonservator, begleitete die Freilegung des Kunstwerks als eines seiner letzten Projekte. „Solche Malereien findet man sonst nur in italienischen Palazzi“, betont er die Einzigartigkeit des Fundes.

Die Restaurierung war ein Balanceakt zwischen Denkmalschutz und modernen Ansprüchen. Hotelbesitzerin Barbara Stiebleichinger hofft, dass Gäste die Kostbarkeit respektvoll behandeln. Hauser sieht in dem Projekt ein gelungenes Beispiel dafür, wie historisches Erbe und zeitgemäße Nutzung Hand in Hand gehen können: „Historische Häuser erzählen Geschichten – und genau das suchen wir, wenn wir reisen.“

zur Meldung von Teresa Andreae auf tirol.ORF.at

BBC-Serie: „Renaissance – Glanz und Gewalt einer Epoche“

Die dreiteilige BBC‑Dokudrama‑Reihe „Renaissance – Glanz und Gewalt einer Epoche“ (engl. „Renaissance: The Blood and the Beauty“) verfolgt die künstlerischen und politischen Spannungen im Italien des späten 15. und frühen 16. Jahrhunderts. Im Mittelpunkt stehen Michelangelo, Leonardo da Vinci und Raphael – drei Persönlichkeiten, deren Werke heute als Höhepunkte der europäischen Kunst gelten. Die Serie zeigt, wie ihre Kreativität in einem Umfeld entstand, das von Machtkämpfen, religiösen Konflikten und persönlichen Rivalitäten geprägt war.

Charles Dance verkörpert den älteren Michelangelo, dessen Lebensweg von frühen Ambitionen über erbitterte Konkurrenz bis hin zu tiefen Zweifeln reicht. Die Episoden beleuchten, wie die drei Künstler in Florenz, Mailand und Rom um Anerkennung ringen, während politische Intrigen, kirchliche Reformbewegungen und wechselnde Herrscher ihre Arbeit beeinflussen. Die Serie verbindet Spielszenen mit Kommentaren zeitgenössischer Künstler und Expertinnen, um die Entstehung ikonischer Werke wie der Mona Lisa, des David oder des Jüngsten Gerichts in ihren historischen Kontext einzubetten.

Alle drei Teile laufen am 3. Januar 2026 bei ARTE, können aber jetzt schon in der ARTE-Mediathek angeschaut werden.

zur Serie in der ARTE-Mediathek

Bruegel und die verkehrte Welt der Menschheit

Zum 500. Geburtstag Pieter Bruegels des Älteren zeichnet Holger Teschke in der „jungen welt“ das facettenreiche Porträt eines Malers, dessen Bilder zugleich Schönheit und Schrecken offenbaren. Teschke nimmt Brechts berühmte Bruegel-Deutung von 1937 zum Ausgangspunkt – jene Vorstellung vom Maler, der törichte, unwissende Menschen in einer unberührten Natur zeigt – und stellt ihr eine Lesart gegenüber, die Bruegels Welt als durchdrungen von Klugheit, Widerständigkeit und bitterem Humor begreift.

Bruegel, geboren um 1525, malte in einer Zeit von Inquisition, Aufständen und blutiger Herrschaft. Doch statt sich religiöser Pathosbilder zu bedienen, hielt er die Ordnung der Welt in Szenen wie Die großen Fische fressen die kleinen oder Der Triumph des Todes der Gesellschaft wie ein Spiegel vor. Seine grotesken Allegorien und ländlichen „Wimmelbilder“ entlarven Machtgier und Torheit, ohne Hoffnung oder Menschlichkeit preiszugeben.

Teschke zeigt Bruegel als Chronisten einer Epoche, die Gewalt und Glauben, Tragik und Komik nicht trennte – und deren Spuren bis zu Brecht, Shakespeare und Grimmelshausen reichen. Wie in jeder großen Kunst schimmert durch Bruegels Szenen die Sehnsucht nach einer anderen, friedlicheren Welt.

zur Meldung von Holger Teschke auf jungewelt.de

Ein Monument in Papier: Dürer neu entdeckt

Uwe Kammann, ehemaliger Geschäftsführer des Grimme-Instituts in Marl, bespricht für das Online-Magazin für Kunst, Kultur und Lebensart, FeuilletonFrankfurt, einen neuen Bildband zu Albrecht Dürer, das das Werk des Nürnberger Meisters in einer bisher unerreichten Vollständigkeit und Brillanz auf den Tisch bringt – oder besser: auf das Lesepult. Herausgegeben von Christof Metzger, Karl Schütz und Julia Zaunbauer, vereint der überdimensionale Band nahezu achtzig Gemälde sowie hunderte Druckgrafiken und Zeichnungen in farbentreuen Reproduktionen, die dem Original erstaunlich nahekommen.

Doch die Pracht endet nicht beim Bild. Die kundigen Begleittexte führen durch Dürers Lebens- und Werkphasen, von den Anfängen eines spätgotisch geprägten Lehrlings bis zum reifen Universalkünstler des 16. Jahrhunderts, der die deutsche Kunst in den Rang europäischer Renaissance brachte. Kammann betont, wie das Buch den Blick auf Dürer weitet – jenseits bekannter Ikonen wie der „Betenden Hände“ oder des „Feldhasen“. Statt frommer Verehrung bietet sich hier ein forschender Zugang: Dürer als Analytiker des Menschen, des Körpers und des Zweifels.

Die opulente Ausstattung – 800 Seiten, fast acht Kilogramm Gewicht – macht den Band selbst zu einem Kunstobjekt. Kein Lesestoff für nebenbei, sondern eine Einladung, die Grenzen zwischen Buch, Ausstellung und Studienobjekt neu zu denken.

zur Meldung von Uwe Kammann im FeuilletonFrankfurt

Ausstellung: Kunst, Propaganda und weibliche Macht

Der Artikel des deutschsprachigen Angebots von VRT Nachrichten berichtet über die Ausstellung „Maria von Ungarn: Kunst und Macht in der Renaissance“, die vom 22. November 2025 bis zum 10. Mai 2026 im Domaine & Königlichen Museum Mariemont in Morlanwelz in der wallonischen Provinz Hennegau gezeigt wird. Im Mittelpunkt steht Maria von Ungarn, Schwester Kaiser Karls V. und Regentin der Niederlande, deren politisches, diplomatisches und künstlerisches Wirken als zentrale weibliche Machtfigur des 16. Jahrhunderts beleuchtet wird.

Die Schau zeigt, wie Maria ihre Residenzen in Binche und Mariemont zu Bühnen einer ausgeklügelten habsburgischen Propagandastrategie machte, in der Feste, Porträts, Buchdruck und militärische Inszenierungen das Bild kaiserlicher Stärke formen. Mehr als vierzig Institutionen steuern Gemälde, Skulpturen, Goldschmiedearbeiten und Archivdokumente bei, darunter Tizian zugeschriebene Porträts, Werke von Jacques Du Broeucq sowie Landschaftsgemälde von Jan Brueghel de Velours und Denijs van Alsloot. Ergänzt wird dies durch einen restaurierten historischen Wandteppich und innovative Klang- und Videoinstallationen, die im Rahmen des europäischen Digitalprojekts „MARY4ALL“ entwickelt wurden.

Kuratiert von Gilles Docquier und Krista De Jonge, ist die Ausstellung eine Koproduktion des Domaine & Königlichen Museums Mariemont und der KU Leuven, in Kooperation mit dem Centre for Higher Studies on the Renaissance in Tours. Sie steht unter der Schirmherrschaft der belgischen Königin, wird von „Kreatives Europa“ der EU kofinanziert und ist Teil des Programms des Festivals Europalia España.

zum Artikel über die Ausstellung

Michelangelos kleiner Fuß: Unbekannte Studie für die Libysche Sibylle bei Christie’s

Eine nur 11,5 × 13,5 Zentimeter große Zeichnung eines Fußes, die ein Einreicher über die Online-Plattform von Christie’s zur Schätzung vorlegte, wird vom Auktionshaus als bislang unbekannte Originalstudie Michelangelos für die Libysche Sibylle in der Sixtinischen Kapelle präsentiert. Christie’s bringt das Blatt in London zur Ansicht und plant den Verkauf in New York mit einem Schätzpreis im Millionenbereich.

Entscheidend für die Zuschreibung war eine Entdeckung auf der Rückseite: Die Studie war auf ein anderes Papier aufgeklebt, sichtbar wurde dies erst durch Infrarotfotografie; dort finden sich weitere Skizzen in schwarzer Kreide, die mit einem Studienblatt im Metropolitan Museum in New York korrespondieren. Fachleute begrüßen den Fund als plausibel, mahnen aber zur Vorsicht und betonen, dass eine endgültige Zuschreibung das Originalstudium erfordert. Die alte Sammlungsaufschrift „Michelangelo Bona Roti“ sowie eine nachvollziehbare Provenienz bis zu einem Sammler aus dem 18.Jahrhundert stützen die Einordnung, doch die Kunstwelt kennt zahlreiche Nachahmungen und Überarbeitungen aus Schülerhand.

Mit Blick auf den Markt verortet sich die Taxe deutlich unter dem Rekordpreis für eine Michelangelo‑Zeichnung, soll aber Bieterwettstreit anregen. Ob das kleine Blatt seinen Anspruch als echte Neuentdeckung bestätigt, wird sich erst bei näherer wissenschaftlicher Prüfung und im Auktionssaal zeigen.

zur Meldung bei katholisch.de

Handbuch zur Geschichte der Kunst in Ostmitteleuropa

Wie lässt sich die Kunst eines riesigen Kulturraums über ein Jahrhundert hinweg angemessen erfassen? Mit dem neuen Band der Reihe „Handbuch zur Geschichte der Kunst in Ostmitteleuropa“ versuchen Agnieszka Gąsior und Marius Winzeler eine Kanonisierung, die von 1570 bis 1670 reicht und damit das Zeitalter von Renaissance und Barock aus einzigartiger Perspektive beleuchtet.

Unterstützt vom Leibniz-Institut für Geschichte und Kultur des östlichen Europa (GWZO) bringt der Podcast „Forschungsquartett – Wissenschaft bei detektor.fm“ in Kooperation mit Experten Licht in einen oft übersehenen Teil der Geschichte. Während die westlichen Zentren wie Florenz oder Paris weltberühmt sind, bleibt die Blütezeit von Philosophie und Kunst in Ostmitteleuropa weitgehend unbekannt – obwohl diese Region von der Ostsee bis zur Adria reicht und Heimat beeindruckender Meisterwerke ist.

Der Band, liebevoll gestaltet mit über 500 Abbildungen und prägnanten Texten, macht deutlich, wie Migration, Konflikte und neue religiöse Strömungen die Kunstlandschaft prägten und bereicherten. Die Herausgebenden laden dazu ein, mit Neugier durch das Buch zu blättern und einen Kulturraum zu entdecken, der längst einen Platz im kunsthistorischen Kanon verdient hat. Wer wissen möchte, was Ostmitteleuropa jenseits der westlichen Narrative zu bieten hat, findet hier eine fundierte und inspirierende Empfehlung.

zum Artikel und zum Podcast auf detektor.fm